Perspective

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L'Art Institute of Chicago possède un certain nombre de sérigraphies d'Andy Warhol représentant Marilyn Monroe. À mes yeux, ils ne sont pas tous aussi fascinants. Mais pour Warhol, l’idée qu’ils pourraient l’être faisait partie du problème.

Je vais t'expliquer.

Si vous êtes allé dans un lycée doté d’un département d’art, vous savez probablement comment fonctionnent les sérigraphies. Il s'agit d'un processus en plusieurs étapes qui implique généralement des pochoirs photographiques, de la peinture acrylique, des raclettes, des tamis, une émulsion photographique et des encres d'imprimerie. C'est l'une des premières choses qu'ils enseignent aux enfants parce que le processus est très amusant et parce que les élèves peuvent dire qu'ils ont créé leur propre Andy Warhol.

Warhol, qui a débuté comme illustrateur commercial, aimait l'aspect mécanique et chaîne de montage des sérigraphies. Mais il aimait aussi le fait que, dans un processus répétitif et conçu pour des opérations commerciales, il y ait une grande place au jeu et aux rouages ​​du hasard.

Quelles couleurs vont bien ensemble ? Les couleurs correspondent-elles à l'image ? Warhol s'en souciait et s'en fichait. Cette impression en quadrichromie fait partie d'un portfolio de 10 images réalisées par Warhol en 1967 à partir d'une photographie publicitaire de Marilyn Monroe de 1953 dans le film « Niagara ». Il avait auparavant utilisé la même image pour des œuvres similaires comme « Shot Orange Marilyn », qui appartient à une collection privée mais a été exposée à l'Art Institute of Chicago, et « Shot Sage New Marilyn », qui s'est récemment vendue pour 195 millions de dollars. un record d'enchères.

Les autres œuvres du portfolio de 1967 auquel appartient cette image utilisent des combinaisons de couleurs très différentes. Mais les teintes Day-Glo caressent, claquent et séduisent l'œil.

Pourtant, l'objectif plus profond du projet de Warhol, qui a eu une influence considérable sur des artistes plus tragiques comme Gerhard Richter, est plus troublant. Il s’agit de reconnaître les aspects arbitraires de la vie moderne.

Warhol a vu que ces quatre couleurs et ces quatre couleurs sont fondamentalement interchangeables et que, vu à travers le prisme idéologique dominant de la culture, cette personne n'était vraiment pas différente de cette personne, de ce produit commercial ou de cet accident de voiture.

Vous pouvez, si vous le souhaitez, vous lancer dans le jeu consistant à rendre cette version de Marilyn plus importante que celle-là. Pour des raisons de rareté, de taille, de support ou de date, vous pourriez alors le vendre 100 fois le prix de celui-ci. Mais vous n’aurez pas compris l’essentiel.

Le fait n’est pas que Warhol lui-même était sans importance. Au contraire. Je ne connais aucun autre artiste du XXe siècle plus en phase avec l’air du temps, aucun autre artiste qui non seulement résume les forces dominantes de son temps mais qui envisage également l’avenir.

Mais l'importance de Warhol réside, paradoxalement, dans sa compréhension étrange de la manière dont les forces commerciales et les mécanismes de la publicité avaient un effet cratérisant sur l'idée même que certaines choses étaient plus spéciales, plus importantes que d'autres.

Vous ne l'enregistrez pas automatiquement si vous mettez une seule Marilyn sous les projecteurs dans une salle de vente aux enchères et lancez les enchères. Vous comprenez quand vous voyez la même image comme une seule dans un portfolio, et quand vous réalisez que cette série est au niveau des sérigraphies d'accidents de voiture et de chaises électriques de Warhol, et de ses Maos, Muhammad Alis et Liza Minellis.

Toutes ces images vous attirent vers elles. Ils sont tous plus ou moins beaux. Et très souvent, ils sont drôles – de la même manière que quelqu'un qui traverse soudainement une galerie d'art peut être drôle : non pas parce que c'est significatif, mais parce que c'est inattendu, inutilement joyeux.

Mais les Warhols sont également tous sans friction, tous également sans importance. Dire cela, ce n’est pas gronder. C'est seulement pour prendre en compte le point philosophique qu'il faisait valoir, qui est si facilement négligé.

En art, bien sûr, une proposition philosophique (en l’occurrence une affirmation d’absurdité) se heurte souvent à un style visuel qui exprime le contraire (la joie pure). C'est là que les choses deviennent intéressantes – et c'est pourquoi je ne me lasse (presque) jamais d'Andy Warhol.